El juego visual de Luis Roldán y Bernardo Ortiz

La exposición de Luis Roldán y Bernardo Ortiz en la Galería Casas Riegner (calle 70A n.º 7-41) tiene el don de la ligereza. Las piezas no piden ni exigen una lectura intelectual. “No tienen tanto drama ni tanta carreta”, dice Roldán. Se dejan ver. Se dejan disfrutar. Flotan tranquilas en el espacio. ‘De saltos y tropiezos’ solo exige una cosa: público.

Ambos artistas habían trabajado la muestra justo antes de la pandemia. Habían aceptado trabajar juntos y mezclar sus obras por afinidad y por amistad; había algo que los unía. Roldán vive en Nueva York, y Ortiz, en Bogotá. Ambos son caleños. Ambos disfrutan de sus visiones de la pintura y el arte con métodos y materiales no convencionales, y la muestra era una parte más de una larga conversación entre los dos.

La pandemia, sin embargo, frenó el proyecto. Roldán paró sus viajes, Ortiz no pudo volver a su taller durante un buen tiempo, pero la muestra continuó hilando su melodía y, cuando se vieron de nuevo y unieron sus obras, se dieron cuenta de que el ensamble seguía funcionando. “Hay algo de jazz en la muestra”, dice Roldán.

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La exposición no marca de quién es cada trabajo y podría ser de un solo artista; cada pieza se ensambla con la otra y establece un diálogo fluido con la siguiente. Las obras, de alguna manera, se tocan, se comunican, establecen vínculos que el espectador arma con cada paso. Y ese es uno de sus grandes aciertos: la conexión que establecen las obras con el público no se lograría en la pantalla de un computador.

Ortiz ha peleado todo el tiempo contra la reproducción de sus obras; no le gusta que se dejen fotografiar fácil. Sus piezas piden o visual, y en la pandemia el o era un recuerdo del pasado. El mundo del arte se llenó de tours virtuales, recorridos virtuales y charlas virtuales. Y su obra o la de Roldán, en estas páginas o en una pantalla, transmiten algo que apenas puede captarse en vivo.

Es el arte de la sutileza. Ortiz juega con papeles, alfileres, deja que sus obras se muevan con el viento o con el aliento. Hay que pegar la nariz a la obra para encontrar ciertos detalles que en un Zoom serían apenas un pixel sin sentido y sin contexto. Hay una pieza suya que ocupa toda una pared; son varios pliegos que, al acercarse, tienen una frase misteriosa escrita en letras diminutas en varias partes. La frase, ‘El pánico de los animales pequeños’, forma dibujos, diagramas o traza líneas y círculos. En la misma sala, Roldán sacó las láminas de un viejo libro de arte, Modern American Painting, las enmarcó y puso encima de ellas una mezcla de pintura color cemento que forma otras obras y, en letra pequeña, también aparecen los autores de las obras escondidas.

En medio de la muestra hay una escultura monumental de Roldán que, de alguna manera, se nutre de todas las piezas alrededor. Las suyas y las de Ortiz. Absorbe el caos y el equilibrio, absorbe los juegos de abstracción de ambos; absorbe la ligereza y la delicadeza y mezcla las obsesiones de su creador: la pintura, la abstracción, la cerámica y los materiales reciclados.

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La escultura, hecha de cajas de mora, pinturas, piezas de cerámica, tablones viejos, está ensamblada como un Lego y se sostiene sobre unas patas de madera que todo el tiempo amenazan con ceder al peso de toda la obra. Hay que recorrerla y explorarla, mirarla de lejos y, en un flashback, encontrar su inspiración. La obra dentro de la obra. “Viene de La parábola de los ciegos, de Pieter Brueghel, y de la obra de Louisie Bourgeois”, dice Roldán. Busqué la pintura de Brueghel, y ahí están sus colores y, sobre todo, los bastones de los ciegos –marcados por las patas de la obra– y el desequilibro de un grupo que camina directo al abismo.

Su escultura logra ese desequilibrio y esa tensión, pero, como en la pintura de Brueghel, se queda en su sitio por la eternidad; podemos mirarla durante horas y, por suerte, no se va a desplomar.

Fernando Gómez Echeverri

Editor de Cultura de EL TIEMPO